Mostra

Blu copiativo. Emi Ligabue

Blu copiativo, mostra personale di Emi Ligabue, a cura di Marta Sironi, nell’ambito della Milano Drawing Week 2025.

Il progetto riunisce undici grandi monocromi realizzati con carta copiativa, ottanta cartoline e cinque leporelli disegnati a pennarello: lavori che mettono in relazione gesto, tempo e materia, indagando la distanza sottile tra l’atto del disegnare e quello del ricordare.

Nelle opere di Ligabue il disegno nasce come traduzione e come traccia. La carta copiativa, materiale fragile e preciso, diventa superficie di attraversamento: luogo in cui il segno perde la sua immediatezza per trasformarsi in immagine riflessa, in impronta. Il blu che la caratterizza è il colore della permanenza, ma anche dell’intervallo, di ciò che resta tra un gesto e la sua scomparsa. Le cartoline e i leporelli ripercorrono e riscrivono paesaggi e parole, costruendo un piccolo atlante personale di memorie collettive.

Il percorso si intreccia con Minimo e massimo (1974) di Alighiero Boetti, esposta da Bonvini 1909 per la Milano Drawing Week in collaborazione con la Collezione Ramo.

L’opera di Boetti, fondata sulla variazione e sulla serialità, apre un dialogo concreto con Blu copiativo: entrambi trasformano la ripetizione in strumento di pensiero e di libertà.

Illusion Fictive. Atelier Bingo

Illusion fictive è la nuova mostra del duo Atelier Bingo che mescola realtà percepita e immaginata, illusione e finzione. Un gioco di combinazioni, tra segni grafici, frammenti cromatici, forme e parole, che sfida la fantasia e resiste alle convenzioni. In mostra più di cento collage, serigrafie, incisioni, disegni e ceramiche.

Atelier Bingo è composto da Maxime Prou e Adèle Favreau, illustratori, artisti e grafici francesi. Nei loro progetti, la gestualità manuale e l’uso di materiali trovati si intrecciano con un linguaggio visivo istintivo e poetico, capace di trasformare il quotidiano in bellezza.

Atelier Bingo

Il duo artistico francese è uno dei nomi più rappresentativi del mondo degli illustratori europei, capaci di esprimersi con disinvoltura sui materiali più diversi, mantenendo una decisa riconoscibilità: dall’editoria alle collaborazioni con i grandi marchi della moda, fino ai progetti urbani e personali. La coppia Maxime Prou e Adèle Favreau, crea con uno stile essenziale nelle forme e deciso nei colori.

Inaugurazione: 8 ottobre ore 18,30
Apertura: dal 9 ottobre all’8 novembre
Orari: da martedì a sabato 10,30 – 13 e 14 – 19,30

LA LINTERNA. Una luz en la pared

La Linterna. Una luz en la pared è una mostra di stampe e altri oggetti di La Linterna.

La Linterna è un laboratorio tipografico della città di Cali, in Colombia, che dal 1934 realizza e stampa manifesti, usando la tecnica dei caratteri mobili e dell’incisione artistica su linoleum. Il laboratorio lavora con macchine potenti sopravvissute a un passato glorioso: la Marinoni del 1870, la Reliance del 1890, la Rapido di Lusso della società Nebiolo del 1934, la Heidelberg del 1954.

I manifesti sono pensati per l’affissione murale, come momenti di comunicazione di eventi culturali e sociali. Nel corso degli anni il lavoro de La Linterna ha lasciato il segno su centinaia di muri nelle principali città colombiane, costruendo un’eredità che resiste al tempo.

Nel 2017, dopo un momento di profonda crisi, La Linterna rinasce grazie a un gruppo entusiasta di grafici, maestri di stampa e operatori culturali. Nuove generazioni si affiancano alle precedenti. Riconoscendo nella stampa tradizionale un sistema di conoscenza e sperimentazione, in poco tempo elaborano una strategia di lavoro che coniuga la sapienza della stampa tipografica con le espressioni del design e della grafica contemporanea.

Oggi la Linterna è uno spazio fondamentale per il dialogo creativo contemporaneo a livello nazionale e un laboratorio di riferimento per la grafica popolare latino-americana a livello internazionale. Coinvolge designer e artisti, sia colombiani sia provenienti da altri paesi dell’America Latina e dall’Europa, con un approccio aperto al continuo scambio di tecniche e saperi tipografici.

Inaugurazione mercoledì 11 giugno 2025 ore 18,30

Tecnologia come Decorazione

Tecnologia come Decorazione è una mostra di Pietro Corraini

“Che fossero disegni sulle pareti delle grotte di Lascaux, incisioni rupestri sui monti della Val Camonica o tatuaggi come quelli sul corpo di Ötzi, la decorazione ha sempre accompagnato l’umanità. Possiamo definirla una necessità primordiale più che primitiva. La forza della decorazione sta nella de-anonimizzazione degli oggetti e degli spazi. Attraverso gli ornamenti prendiamo possesso delle cose, rendendole degne di attenzione e cariche di identità. Durante il ’900 si è insinuata un’idea negativa e inappellabile del decoro, una sorta di ornamentoclastia truffaldina e fuorviante. L’assenza di decorazione diventa uno status symbol per certe fasce della popolazione, con appartamenti minimali e ambienti senza orpelli, mentre le case normali si riempiono, come sempre, di soprammobili, oggettini inutili, frambalà, pizzi e merletti.

Ai giorni nostri la standardizzazione dei progetti riporta le persone alla necessità primordiale del decoro: i nostri cellulari iper-minimali si vestono di cover leopardate e pendagli gommosi e gli strumenti tecnologici vengono usati per decorare spazi altrimenti anonimi. Le chincaglierie tecnologiche convivono con noi, assumendo la stessa funzione dei soprammobili: quella del decoro, del riempimento, dell’empatia. La tecnologia è in molti casi inutile, spesso un vezzo rinunciabile. La tecnologia è un decoro. Un essenziale ornamento inutile. Immaginiamo una serie di soprammobili che si ibridano con la tecnologia. Giochiamo a immaginare suppellettili inutili che “fanno cose” altrettanto inutili e gioiose. Disegniamo ninnoli robotici che ricordino più i coloratissimi e pacchiani carretti siciliani che la scocca di un computer! La tecnologia è un decoro e il decoro è divertimento”. (Pietro Corraini)

In mostra più di sessanta disegni e nove sculture ideate da Pietro Corraini e realizzate in collaborazione con Ceramica Gatti 1928, Massimo Lunardon, TheFabLab.

Pietro Corraini è un designer italiano che vive e lavora a Milano. Per lavoro si occupa di smontare e rimontare progetti di comunicazione visiva e design. Tiene workshop e seminari presso librerie, festival e spazi museali e dirige il magazine “Un Sedicesimo”. Usa grafica, design, arte e tutto quello che gli si trova intorno per indagare con ironia definizioni e confini. Ha disegnato agende che sparano, carri armati che soffiano bolle, stelle colorate, ha usato tubi, manifesti, libri, coriandoli e fantasia.

Inaugurazione

giovedì 13 marzo ore 18.30

La mostra Tecnologia come decorazione rimarrà aperta al pubblico fino al 26 aprile. Orari di apertura: mar-sab 10.30-13 e 14-19.30

Scopri i disegni in mostra

Immagini Souvenir. Le città di Francesco Nardi

Immagini souvenir è una mostra di illustrazioni di Francesco Nardi. Nelle illustrazioni di Francesco Nardi, i luoghi rappresentati – architetture, piazze, paesaggi, strade, elementi scultorei o urbanistici, prospettive – sono capaci di raccontare storie a chi li osserva, a chi li vive nel quotidiano o da visitatore. Sono patrimonio, sono i protagonisti di un immaginario storico e collettivo che si intreccia all’esperienza emotiva e alla memoria individuale.

Inaugurazione venerdì 6 dicembre ore 18,30

Partecipa all’inaugurazione >

Francesco Nardi si è laureato in Design, Comunicazione Visiva e Multimediale alla Sapienza di Roma. Ha dedicato ricerca e creatività al wayfinding, quella
specifica area dell’urbanistica relativa alla segnaletica e all’orientamento negli spazi urbani. Valorizzare il patrimonio culturale è stato un obiettivo, diventata poi una professione, ancora connotata da una grande passione. Nel 2018 ha ideato il sito cosavederearoma.com, un portale ricco di spunti per
visitare consapevolmente la città, nel 2021 ha presentato il progetto grafico Cosa Vedere a Roma e nel 2023 Cosa Vedere a Milano per mostrare in modo autentico i luoghi iconici sia a chi li vive, sia a chi li visita, con l’obiettivo di accrescere la consapevolezza verso il patrimonio culturale in cui siamo costantemente immersi. L’attuale lavoro di illustrazione delle città nasce da un primo progetto sull’EUR, quartiere razionalista di Roma. In quel progetto, le modalità di rappresentazione usate per visualizzare i punti di interesse architettonici sulla mappa sono emerse con forza e linguaggio originali definendo uno spazio nuovo di lavoro e sperimentazione. Uno spazio in cui descrivere icone riconosciute, immagini-souvenir cariche di senso.

Apertura: 6-28 dicembre 2024. Da martedì a domenica 10.30-13.00 e 14.00-19.30. Apertura straordinaria lunedì 23 dicembre 10.30-13.00 e 14.00-19.30.

Educazione sentimentale per architetti

Educazione sentimentale per architetti è una mostra di Chiara Carrer che comprende più di sessanta lavori dedicati al tema della casa e dell’abitare. Collage, incisioni e sculture sono il risultato di un percorso di ricerca capace di riassumere in un unico modulo visuale – semplice ed emozionante – un’idea di casa come oggetto da costruire e collezionare, come involucro in cui ripararsi, come luogo dell’esperienza intima, razionale ed emotiva.

25 ottobre – 30 novembre

La mostra è aperta da martedì a sabato 10.30 – 13.00 e 14.00 – 19.30

“La casa è un tema che ho amato fin da bambina. Costruivo piccoli progetti di case con i fogli dei quaderni. In montagna con i legni, le foglie e quant’altro mi veniva offerto in natura. Schiacciavo l’erba alta e creavo degli spazi a cui davo dei nomi: la cucina, la sala da pranzo, la camera da letto. Piccole fantasie così, che però poi nel tempo sono diventate la voglia di avere una casa, una casa in mezzo alla natura, la possibilità di avere un giardino. […] Il mio lavoro visivo sulla casa è diviso in capitoli seguendo alcuni grandi temi. L’architettura, le misure e la definizione degli spazi, e poi la casa come rifugio, come nido, come luogo che è il prolungamento di noi stessi. E poi gli aggettivi che la possono definire: la casa amorevole, la casa respingente, la casa imprigionata. Infine, le caratteristiche che può avere la casa, a esempio il colore. I materiali e le immagini che ho realmente utilizzato per il libro e per la mostra sono meno di quelle contenute nelle mie liste e nelle mie collezioni. Ho lavorato per sottrazione e per scelte in modo che il progetto apparisse definito e coerente, ma gli oggetti mentali e fisici a cui ho attinto nella mia ricerca rimangono ancora tantissimi e il lavoro senza fine”. Chiara Carrer

Chiara Carrer è un’artista, un’illustratrice e docente che ha sviluppato la sua ricerca e poetica sia nel campo dell’illustrazione per l’infanzia che della produzione di saggi visivi sul tema della casa, dell’abitare, della natura e degli oggetti di cui ci circondiamo. Nata a Venezia, si è diplomata in pittura all’Accademia di Belle Arti di Roma e in incisione alla Scuola di Arti Ornamentali San Giacomo. Dal 1990, ha pubblicato più di centocinquanta libri in tutta Europa e nel mondo. Ha interpretato favole come Cappuccetto Rosso, Vassilissa, Barbablu; ha ideato libri come autrice d’immagini e testo o silent book come Otto Karotto, Lutin, Un dia. Nel corso della carriera ha ottenuto molti riconoscimenti e premi internazionali. Al lavoro di ricerca ha alternato quello di docente, insegnando illustrazione all’ISIA di Urbino e all’Accademia di Belle Arti di Bologna e di Urbino. A cada quien su casa, il progetto che ha ispirato la mostra Educazione sentimentale per architetti, fa parte di una collezione di sette saggi visivi in corso di pubblicazione.

IL MARE ARTIGIANO. Dal mare a Newton e ritorno

In galleria la mostra Il mare artigiano. Dal mare a Newton e ritorno, a cura di Franco Achilli.

Inaugurazione: mercoledì 11 settembre ore 18,30

LA MOSTRA

Scriveva Bruno Munari in “Il mare come artigiano”: Tu butti qualcosa al mare, e il mare (dopo un tempo imprecisato e imprecisabile) te lo restituisce lavorato, finito, levigato, lucido o opaco secondo il materiale, e anche bagnato perché i colori sono più vivaci. (…) Lui fa solo pezzi unici e irripetibili, come le opere d’arte.

Perché parliamo del mare?

Per la grande retrospettiva “Helmut Newton. Legacy” a Palazzo Reale (Milano, 2023) furono posati 1.300 mq di moquette fornita dallo sponsor Aquafil: un prodotto realizzato con filato ECONYL®, prodotto utilizzando rifiuti in nylon provenienti da tutto il mondo, come reti da pesca abbandonate in mare o provenienti dall’industria dell’acquacoltura, scarti di tessuto, plastica industriale, vecchi tappeti destinati alla discarica.

Il progetto prevedeva che a conclusione dell’allestimento circa 1.000 mq di quella moquette venissero recuperati e reimmessi al consumo, oggi sono realmente la pavimentazione di vari uffici, e 200 mq riutilizzati per un nuovo progetto creativo, il progetto “Il mare artigiano”. La parte rimanente è stata rigenerata da Aquafil e nulla è andato in discarica.

Questa mostra, gli artisti e lo scopo finale

200 mq di moquette sono stati quindi consegnati agli artisti, che nei mesi successivi hanno liberamente affrontato il tema della mostra, Helmut Newton, e quello più ampio, l’economia circolare, realizzando sedici opere, esposte in anteprima a BIG Biennale Internazionale della Grafica 2024. Il ricavato della loro vendita, al netto delle spese sostenute per l’allestimento delle mostre, sarà devoluto a Healthy Seas, una fondazione nata nel 2013 con l’obiettivo di creare consapevolezza circa il fenomeno delle reti fantasma nei mari, responsabili dell’inutile morte degli animali marini.

Un viaggio circolare, come la sostenibilità

Quella che “Il mare artigiano” racconta è una storia circolare: una parte di quella plastica recuperata grazie all’azione dei volontari subacquei è entrata come risorsa nel processo di produzione di un materiale di allestimento; lo stesso materiale si è trasformato in altro ancora, in opere, con l’azione degli artisti; opere che, attraverso la sensibilità dei collezionisti, riconsegneranno nuove risorse agli stessi volontari nuovamente pronti a immergersi nei mari per continuare il ciclo virtuoso da cui eravamo partiti.

GLI ARTISTI

Luca Barcellona, Francesca Bazzurro e Luciana Meazza, Beppe Giacobbe e Agnese Cattoretti, Valentina Grilli, Guido Scarabottolo, Carlo Stanga, Michele Tranquillini, Francesca Zoboli

Orari di apertura:

mar – sab 10.30 – 13.00 e 14.00 – 19.30

Distrazioni. Illustrazioni di Beppe Giacobbe

Distrazioni Illustrazioni di Beppe Giacobbe è una mostra curata da Bonvini 1909.

Inaugurazione mercoledì 8 maggio ore 18,30

Un’illustrazione c’è anche quando non c’è. Fa sentire la sua necessità, prepara la sua apparizione. (Marco Del Corona)

In mostra più di 60 opere di Beppe Giacobbe, molte inedite. Alla serie dei “Ritratti accidentali”, commentata da Edgardo Franzosini, si aggiungono le collaborazioni per la Lettura – dal 2012 a oggi – e altre immagini realizzate per mostre e copertine editoriali.

Un lavoro “sottrattivo ed essenziale” (Franco Achilli, dal catalogo della Mostra) che interpretando e traducendo, genera sempre nuove domande e nuove metafore.

Beppe Giacobbe è un illustratore. Collabora stabilmente con il Corriere della Sera e con altri periodici. Realizza immagini e copertine per case editrici italiane e internazionali.

Nel 2013, l’editore Lazy Dog Press ha pubblicato Visionary Dictionary: Beppe Giacobbe from A to Z, una monografia sul suo lavoro: il mondo catalogato per immagini.

Nel 2024, esce per le Edizioni Bonvini 1909 Distrazioni, un libro che raccoglie lavori inediti, ricerche artistiche personali e illustrazioni frutto di diverse collaborazioni editoriali.

Nato a Milano nel 1953 inizia a disegnare da subito e dipinge sporcandosi le dita con i colori della tavolozza di papà. Verso i 10 anni realizza alcune copie di Morandi e Cezanne, contemporaneamente studia pianoforte. Durante gli anni del liceo milita in un gruppo rock suonando fino a notte fonda in trasferte lontane da Milano, ma le troppe assenze e il pessimo profitto gli costeranno una sonora bocciatura con conseguente “lavoro forzato” nel negozio di tessuti del padre. Poi il periodo felice all’Accademia di Brera e tre estati alla School of Visual Arts di New York respirando gli umori e le atmosfere della Grande Mela. Con la nascita del figlio Marco comincia a illustrare libri per bambini per case editrici francesi e statunitensi, collezionando alcuni premi. L’insegnamento è per Beppe Giacobbe un importante momento di scambio con i giovani da cui dice di aver imparato molto nei suoi 24 anni di docenza, prima allo IED di Milano e poi all’ISIA di Urbino.

Informazioni

La mostra Distrazioni Illustrazioni di Beppe Giacobbe rimarrà aperta al pubblico fino al 20 luglio.

Orari di apertura: mar – sab 10,30-13,00 e 14,00-19,30

Il libro

Distrazioni raccoglie illustrazioni pubblicate negli ultimi anni di lavoro e molte opere inedite, tutte esposte in mostra. Con testi di Franco Achilli, Marco Del Corona, Edgardo Franzosini, Beppe Giacobbe. Testi in italiano e inglese, traduzioni di Jennifer Coe. Progetto grafico: XxYstudio. (Edizioni Bonvini 1909, 2024, pp. 96, 24 euro)

Scopri il libro sul sito Bonvini 1909

La prima neve. Una mostra di Sylvie Bello

In mostra da Bonvini 1909 La prima neve, illustrazioni in monotipia di Sylvie Bello – dal 2 dicembre.

“L’idea di realizzare il libro in monotipia è venuta in modo del tutto naturale. Questa tecnica, che uso dai tempi della scuola, è una compagna di lavoro con la quale sono cresciuta artisticamente. Mi piace la monotipia perché trovo che sia una tecnica viva e senza tempo che suscita emozioni, lasciando spazio all’imprevisto. Monotipo significa unica orma, impronta. Questa stampa è ottenuta pressando un foglio di carta su un supporto rivestito di inchiostro tipografico. Ci sono tanti modi di praticare la monotipia.

Per La prima neve ho usato la monotipia come se fosse una matita a colori. Ciò significa che ho cambiato inchiostro ogni volta che mi serviva un determinato colore. In un primo tempo, ricoprivo una lastra di vetro col giallo, appoggiavo il foglio sulla lastra inchiostrata, per ‘stampare’ il colore con l’aiuto di una matita. Poi, toglievo il foglio dalla lastra per cancellare l’inchiostro giallo e metterci per esempio il blu, poi il verde, poi il rosso e così via, finché l’illustrazione non era stata completata.

Le tavole sono disegnate al contrario nel senso che per ogni tavola esistono due immagini, una davanti al foglio – quella che vediamo nel libro – e una dietro che corrisponde perfettamente, come uno specchio. È un procedimento molto laborioso. Ho lavorato in grande formato per dare maggiore leggibilità e respiro al disegno. Creare un libro illustrato è appassionante. È un’esperienza intensa e bella come un sogno. C’è una prima volta per tutto. Non tutte le prime volte si ricordano. Io ne ricordo una in particolare: La prima neve”.

Sylvie Bello è una illustratrice francese nata a Besançon nel 1980. Terminati gli studi come designer tessile, si trasferisce in Italia dove comincia il suo percorso partecipando a diverse mostre internazionali, tra cui “Ilustrarte” a Lisbona e “I colori del Sacro” a Padova. Nel 2015 riceve il Premio della Critica del concorso “Tapirulan”. Nel 2021 è selezionata alla Mostra Illustratori della “Bologna Children’s Book Fair” e vince una delle cinque Golden Apple della “Bibiana. International House of Art for Children” a Bratislava. Lo stesso anno ha vinto il Premio Lyra con il lavoro de La prima neve come miglior opera realizzata con tecniche tradizionali. Collabora con l’editore Topipittori dal 2016. Un nuovo libro uscirà per i loro tipi nel 2024.

Domenica e Lunedì	Chiuso
da Martedì a Sabato	10:30 - 13:00 14:00 - 19:30